Fabio Biondi im Interview

Ihr Konzert in der Elbphilharmonie mit Europa Galante steht unter dem Leitgedanken des »Lamento« – eines musikalischen Ausdrucks von Trauer oder tiefem Schmerz. Können Sie die Idee des Programms erläutern?

Fabio Biondi: Die Idee entstand aus der Auseinandersetzung mit den sozialen Problemen und Unsicherheiten, mit denen wir heute leben. Es gibt ein Gefühl existenziellen Leidens, und ich wollte das musikalisch erforschen.

Im Zentrum des Programms steht »Il combattimento di Tancredi e Clorinda« von Claudio Monteverdi – eine eindringliche Darstellung des Krieges, in der ein Ritter unwissentlich gegen die Frau kämpft, die er liebt, und sie tödlich verwundet. Außerdem gibt es Instrumentalwerke von Komponisten wie Dario Castello und Girolamo Frescobaldi, die Momente tiefer Reflexion eröffnen. Aber es war mir sehr wichtig, auch etwas wie das »Capriccio stravagante« von Carlo Farina einzubeziehen. Es ist ein sehr leichtes, humorvolles Stück mit Tierimitationen. Wenn wir über Dunkelheit nachdenken, brauchen wir auch Momente, die uns ein Lächeln schenken.

Geht es in dem Konzert also nicht nur um Klage, sondern auch um Hoffnung?

Ja, absolut. Ehrlich gesagt bin ich kein Pessimist. Pessimist zu sein, ist schrecklich – besonders für die jüngere Generation. Wir müssen gründlich über die Probleme unserer Gesellschaft nachdenken, aber wir müssen auch dem Optimismus Raum geben. Denn ich glaube an die Zukunft.

Musik selbst ist Hoffnung. Sie ist eine universelle Sprache. Wenn man jung ist, hört man diesen Satz, aber man versteht ihn nicht vollständig. Jetzt verstehe ich ihn vollkommen. Musik bringt Menschen zusammen. Wir teilen dieselben Gefühle. Das ist ein Wunder – und genau das möchte ich in Hamburg weitergeben.

Sie präsentieren ein rein italienisches Programm. Mit Europa Galante, das Sie 1990 gegründet haben, sprechen Sie seit Langem davon, einen eigenen »italienischen Klang« zu entwickeln. Was bedeutet das für Sie?

Als ich begann, mich mit Alter Musik zu beschäftigen, hatte ich das Gefühl, dass eine Gefahr der Globalisierung bestand. Alle begannen mehr oder weniger auf die gleiche Weise zu spielen, mit demselben Klang. Für mich war es sehr wichtig, unsere Ursprünge nicht zu vergessen.

Wenn ich von »unserem Klang« spreche, meine ich einen italienischen Klang – warm, leicht, lebendig und tief mit unserer Kultur verbunden. Aber selbst innerhalb Italiens gibt es Unterschiede. Die römische Schule ist nicht dieselbe wie die neapolitanische Schule, und Venedig hat seinen ganz eigenen Charakter. Die Geografie beeinflusst den Klang. Wir sollten nicht in starren Kategorien denken. Im 18. Jahrhundert konnte sich die Stimmung alle 30 Kilometer ändern. Nichts war festgelegt. Heute suchen wir nach globalen Regeln, aber die Geschichte lehrt uns, dass sich alles ständig verändert – je nach Zeit und Ort.

Ist es dieser ständige Wandel, der Sie dazu inspiriert, immer wieder zum selben Repertoire zurückzukehren?

Absolut. In der Alten Musik ist es ein großer Fehler zu glauben, es gebe nur eine einzige Wahrheit. Es gab viele Wahrheiten. Musik wurde an jedem Ort Europas anders aufgeführt. Man kann einen italienischen Stil in deutscher Musik finden oder einen französischen Stil in italienischer Musik, weil die Musik reiste und sich auf ihrem Weg anpasste.

Diese kaleidoskopartige Natur der Musik ist äußerst spannend. Für ein und dasselbe Stück gibt es viele mögliche Lösungen – abhängig von der Akustik, den Instrumenten, dem Saal und dem Publikum. Deshalb wird es nie zur Routine. Jede Aufführung kann etwas Neues offenbaren.

Ist es Ihnen deshalb wichtig, über den etablierten Kanon hinauszublicken und weniger bekannte Komponisten wie Pietro Locatelli oder Dario Castello aufzuführen?

Ja, aber das ist eine grundlegende Frage, und ich beantworte sie sehr gern. Die Musikgeschichte ist äußerst komplex und voller Komponisten, die heute nicht mehr aufgeführt werden. Ich halte das für einen großen Fehler. Wir haben einige Komponisten immer als Genies behandelt und viele andere vergessen – als hätte der Rest der Gesellschaft nicht existiert. Das stimmt nicht. Wenn man Gioachino Rossini liebt, sollte man auch die Komponisten in seinem Umfeld kennen, etwa Saverio Mercadante oder Giovanni Pacini. Wenn man Robert Schumann bewundert, ist es ebenso wichtig, jemanden wie Niels Gade zu entdecken.

Man erlebt Komponisten auch anders, wenn man versteht, woher sie kommen – ihre Tradition, ihre Einflüsse, ihr Umfeld. Wenn man Rossini gut kennt, hört man vielleicht Puccini anders.

Absolut. Es gibt eine sehr langsame, aber stetige Entwicklung der musikalischen Sprache. Ich stimme Komponisten wie Mendelssohn oder Schumann zu, wenn sie sagen, dass es unmöglich ist, ihre Musik zu verstehen, ohne Beethoven oder Mozart zu kennen.

Es ist sehr spannend, heute Musiker zu sein. Unsere Aufgabe als Interpreten ist es, das Publikum an die Hand zu nehmen und gemeinsam durch eine größere musikalische Landschaft zu spazieren. Wenn nach einem Konzert jemand zu mir kommt und sagt: »Ich kannte diesen Komponisten nicht, aber die Musik ist wunderschön«, dann macht mich das stolz. Was heute für eine Aufführung wichtig ist, ist die Einführung vergessener Komponisten – das Öffnen eines weiteren Blicks auf die Musikgeschichte.