Das Festival »Arctic Voices«

Text: Stefan Franzen, 17. Januar 2026

Die unfassbar schöne Welt, die Ragnar Axelsson 2011 in seinem Bildband »The Last Days of the Arctic« zeigte, sah der isländische Fotograf bereits damals als dem sicheren Untergang geweiht. Axelsson, der seit Jahrzehnten immer wieder bei und mit den Inuit gelebt hat, bezeichnete die Indigenen der Arktis als die menschlichen Gesichter des Klimawandels. Ihre natürliche Lebensweise war bereits bedroht, seit ihnen die »Errun­genschaften« der Industriegesellschaft und fremde Glau­bens­systeme übergestülpt worden waren. Durch die neuen klimatischen Herausforderungen wurde diese Bedrohung verschärft und beschleunigt.

Paradox: In dem Maße, in dem die ursprüngliche Le­bensweise indigener Völker zu verschwinden droht, grei­fen ihre Musikkulturen umso mutiger aus und werden in die globalisierte Konzertlandschaft integriert. Die Klänge der Inuit und der Samen sind Paradebeispiele dafür. Beide verfügen über einzigartige, einst in den Alltag eingebun­dene Gesangstechniken. Nun lösen sie sich aus ihrem ursprünglichen Kontext und erheben sich zu einer Kunstform, die auch in experimentelle Sphären vordringt.

Im höchsten Norden gibt es faszinierende Musiktraditionen, die von Norwegen bis Japan, von der Mongolei bis in die Arktis mitreißend in die Gegenwart geholt werden.

Die erste internationale Galionsfigur hieß Mari Boine aus dem norwegischen Teil Sápmis, so die offizielle Bezeichnung des Kulturraums der Samen. »Höre, Bruder, hö­re, Schwester. Hört die Stimmen der Vormütter. Sie fragen euch, warum die Erde vergiftet und verbraucht ist. Sie erinnern euch daran, dass die Erde unsere Mutter ist.« So lauten die ersten Zeilen in Boines international berühmt gewordener Hymne »Gula Gula« aus dem Jahr 1989. In ih­ren Liedern sprechen die Erde, der Wind, die heiligen Berge, das Wasser. Boine kombiniert den Joik mit zeit­ge­nössischer Dichtung im vokalreichen samischen Idiom, und sie näherte sich schon früh einer sphärischen Klang­spra­che an. Dafür hat sie sich immer wieder Jazz-Musiker ins Studio geholt, etwa den Electro-Jazzer Bugge Wesseltoft oder den Saxofonisten Jan Garbarek. Bis heute steht sie, nach überstandenen persönlichen Krisen, mit ihrer empfind­samen Adaption des samischen Erbes auf der Bühne, lässt mit dem aktuellen Programm »Alva« sehr gefühlvoll ihre Kindheit lebendig werden.

Auf Boines Pionierarbeit baut die samische Musikszene bis heute auf. Sie hat sich in Zusammenarbeiten mit beinahe jedem erdenklichen Genre vorgewagt, mit World und Folk, Pop und Jazz. Ein Paradebeispiel für ein Teamwork jenseits aller Stile ist die Sängerin Marja Mortensson aus einer Familie südlicher Wald-Samen und ­Rentierhirten. Zusammen mit ihrem Gatten, dem norwegischen Jazz-­Tubisten Daniel Herskedal, arbeitet sie mal mit Jazzern, mal mit klassischen Musikern. Durch die Kombination von Stimme und Tuba entsteht eine machtvoll-hymnische Klang­landschaft, die aber stets warm tönt und ganz ohne Elek­tronik auskommt.

Noch ein kurzer Blick über den Polarkreis nach Süden, auf die Kulturen der Ainu und der Mongolen. Denn deren Lebensweisen und Musiken weisen Parallelen zur Urbevölkerung der Arktis auf. Die Ainu sind die Ureinwohner des japanischen Nordens, darunter die Insel Hokkaido, und wie stark sie sich mit anderen Indigenen verbunden fühlen, zeigt sich an ihrer jüngst aufgenom­menen kulturellen Zusammenarbeit mit den Samen. Auch bei den Ainu sind Frauen die Träger der Klangkultur. Sie pflegen eine charakteristische Gesangstechnik namens Ukuok, die vom Ineinandergreifen zeitlich gegeneinan­der verschobener Stimmen lebt. Dadurch wird, ähnlich wie in einem Kanon, eine in Trance versetzende Wirkung erzeugt. Das Frauentrio Marewrew demonstriert seine eigene, modernisierte Art des Ukuok und lässt sich dabei von der Harfe Tonkori begleiten, dem wichtigsten Instrument der Ainu.

Wie die Samen leben auch die mongolischen Nomaden mit ihren Tieren – Pferden, Yaks und Kamelen – zum Teil bis heute in einer von schier unendlicher Weite geprägten Steppe. Und auch ihre herausragenden Gesangs­stile nehmen, ebenso wie das Nationalinstrument, die Pferdekopfgeige Morin Khuur, Bezug auf die Natur- und Tierlaute ihrer Heimat. Mongolische Musik hat sich in den letzten Jahrzehnten in viele stilistische Facetten aus­differenziert. So hat das Ensemble Tengerton die zwei­saitige Morin Khuur in Anlehnung ans westliche Streichquartett in verschiedenen Lagen besetzt; zugleich pfle­gen die Musiker den berühmten Kehlkopfgesang Khöömii. Die Sängerin Erdenetsetseg Khenmedekh hingegen hat sich mit ihrem Trio den Langliedern Urtiin Duu verschrieben, die traditionell mit kraftgeladenem Timbre von den Berggipfeln hinab in die Steppe gesungen werden. In ihren epischen Texten, geprägt von langen Silben, treffen spiri­tuelle, naturreligiöse und philosophische Betrachtungen aufeinander.

Dieser Artikel erschien im Elbphilharmonie Magazin (Ausgabe 01/2026)